十五世纪末到十六世纪初文艺再起进入了壮盛时期，这是意大利文化和艺术史上最辉煌的时代。
这个时期欧洲的印刷技术的突飞猛进，人们可以很容易地购置更多的书籍，拥有更多的文化知识，让更多的人接受教育。虽然数学、医学、天文学和炼金术还都带有神权的色彩，科学技术的进步蹒跚而行，但是随着古希腊、古罗马的经典思想的流传使人们的思想得以解放，知识分子开始对中世纪的基督教的教义进行反思，越来越多的人文主义思想在文化领域流传。基督教神权至上的思想备受质疑，宗教革新迫在眉睫，宗教界掀起了一场声势浩荡的宗教革新，今后西方开始了宗教林立的局面。
西方航海家们的探险之旅更是让人们大开眼界，人们认识到了天地之辽阔并不是一个的平面。大航海时代促进了天文学、数学和制图等科学技术的大生长。通过对天文学的研究，人们打破了固有的扁平化的时空观，对时间和空间有了新的认识，认识到时间的连续性和三维立体空间客观存在。
在这样的社会厘革的配景下，文艺再起的人本主义思想同样反映在艺术家的艺术创作上。艺术领域深受科学技术的生长的影响，艺术家们对数学、物理学和几何学的研究结果以理性的方式加以看待并应用到艺术创作中，三维空间简直立使得透视原理被认可，占据艺术领域的主导职位，成为绘画艺术的指导性原则。艺术家的创作越来越理性，他们摈弃了中世纪机械的绘画气势派头从而专向现实主义的绘画气势派头，这种转变也获得了社会和公共的广泛认可。
达.芬奇是这一时期应用透视法进行创作的最具代表性的人物之一，他的作品严格地遵循黄金支解的原理构图，画中的结构部署合理，每一小我私家物和物体之间的衔接自然。他的作品中有着理性的思考和人文主义精神，完美的把科学与艺术进行统一是他对自己作品的要求。
我们可以从科学的角度分析1487年达·芬奇创作的作品《抱银鼠的女子》。这幅作品是为米兰公爵卢多维科·斯福尔扎的情妇西西莉亚·加莱拉尼创作的木板油画，尺寸巨细55*40.5cm，现收藏于波兰特拉维夫国家博物馆。画中的西西莉亚·加莱拉尼其时应该照旧个少女。
《抱银鼠的女子》是达·芬奇著名的肖像画作品之一。这幅作品画面构图偏左侧，但达.芬奇让西西莉亚的头部向右偏转，画家以女子的鼻子为基准线，左侧脸部露出3/5，右侧脸部露出2/5，接纳成角透视，视点与观众平行。画家从女子3/5侧脸这个角度体现女主人公的美丽。
我们设想一下给这幅作品标注辅助线，这时我们可以发现，这个面部的五官区域正好和整个头部的比例是一个完美的黄金支解比例0.618:1，右侧侧面脸部露出的3/5和整个面部比力也是一个黄金比，画中女子的五官比例也完全切合黄金支解的原则，这个侧头的姿势是展示画中女子美丽的面容的最佳角度。
假设我们以头部为基准把整幅作品都画上黄金支解线，这样画面就被我们支解成若干个巨细不等的正方形，我们在每个正方形中都画一个内切圆，最后我们以女子的鼻子为起点由小圆开始凭据巨细顺序逐一连接内切圆的极点，这样从右至左就绘制出来一条曲线，这就是斐波那契曲线。斐波那契曲线也是黄金支解的一种体现形式。这条曲线资助达.芬奇完成了完美的构图。
这幅作品达.芬奇接纳深色配景，暖色调体现画面的温馨与恬静。他把富厚的人体解剖知识运用到绘画上准确地体现西西莉亚面部的心情，用光和阴影的变化来陪衬西西莉亚美丽柔和的面庞。
熟悉人体解剖学的达.芬奇把西西莉亚穿在身上的衣服的衣褶描绘的生动自然，衣褶与身体结构紧密贴合，衔接自然。画家还结合光影效果，用色彩的深浅来体现人物衣服的明暗关系，画面中的人物衣饰、衣褶和面料的质感整体统一，自然协调。特别是西西莉亚手部的体现，达.芬奇把女子修长的手指画的结构清楚准确，用色柔和，色彩的明暗关系很是细腻的体现手的柔美和手的立体感。画面中的人物形神兼备，备受世人的推崇。
达.芬奇这幅写实主义气势派头的作品，严格遵循透视法的原则，运用数学盘算精心部署画面构图，找出完美的比例来体现年轻女子美丽的容貌和体态，画面中这位年轻生动的女子，怀抱毛色光润的银鼠，年轻而美丽的面庞和洋溢着青春笑意的嘴角，栩栩如生。画家让这幅作品中的人物充满了动感，让欣赏这幅画作的观者感受到女子生动生动的青春气息扑面而来。
文艺再起时期意大利的画家是不画风物画的，画家们主要是以画人物为主，如：基督教圣经故事中的人物，神话故事中的人物和人物肖像，有时也会画一些风物作为画中人物的配景。达.芬奇也没有突破这个界限，他没画过一张没有人物的风物画，但这不能说明他不画风物，他的《岩间圣母》和《蒙娜丽莎》都以风物作为陪衬人物的配景。
达.芬奇的《蒙娜丽莎》泛起在世人面前的是一位美丽而优雅的十六世纪贵妇的形象，温柔而宁静的眼神，嘴角带着迷人的微笑，流露出一种超凡脱俗的气质。站在这幅作品前，无论从哪个角度看观众都能感受到蒙娜丽莎迷人的微笑。
画面中的人物配景，达.芬奇利用他对光学的研究和视察，在创作的历程中除了景物的透视关系，他还考虑到空气对景物的影响，开创性的运用空气透视法体现了远处的山崖、蜿蜒的小路、石桥、森林与河流。画中的景物由于透视的关系画家把它们推向远处，画家用晕染的要领来体现自然界的景物及阴影。远处的风物随着景物的延伸线条越来越不清晰，色彩也逐渐模糊，逐渐消退。天边的云霞笼罩在山林上，霞光晕染的山林和远处的景物似乎被笼罩在薄雾里。
这幅作品的人物配景陪衬了整幅作品宁静祥和的气氛。画家不仅运用明暗关系体现光线的变化，还利用阴影塑造人物的空间感使得人物越发丰满，越发立体，人物栩栩如生，跃然纸上。画家以这种方式突出了“蒙娜丽莎”的形象，同时给人以一种宁静致远的感受。让人感应山水之间的蒙娜丽莎可谓“无为自化，清静自在”。
在达.芬奇画《蒙娜丽莎》时，他精心地进行构图，如果我们还用斐波那契曲线求证他的画面构图，我们照旧从人物的鼻子处为中心点，进行黄金支解，连接内切圆由左向右侧画一条弧线，我们能得出同样的结论，画面比例都处在黄金比0.618 :1的数值上，由此可见达.芬奇进行创作时，画面中各部门的比例，都经过了认真的盘算。
画家创作了两幅名为《岩间圣母》的祭坛画来体现《耶稣受洗》的故事。两幅作品体现了达.芬奇的人文艺术思想和艺术理念，内容和主题完全一样，只是在人物细节上稍有差距。
两幅《岩间圣母》，画家都是把人物置于嶙峋的岩石窟窿中，营造了一个庄严而神秘的气氛，四小我私家物以稳定的三角形构图为基础。画面中的四小我私家物以世俗形象为蓝本，圣母玛利亚面露慈祥之情，一只手扶在约翰的后背，另一只手伸向耶稣表露出对耶稣的爱，坐在耶稣旁边的天使宁静地看着他们，圣母玛利亚、天使、约翰和耶稣的心情与手势相互呼应，画中的场景充满了人文气息。
达.芬奇在人物配景的处置惩罚上接纳透视法体现岩石和窟窿，画家利用光影效果塑造了很强的立体感，远处冷色调的山崖笼罩在月光下，配景中的山崖泛起出雕塑一般的感受，显得群山庄严而雄伟，陪衬了画面庄严的宗教气氛。
达.芬奇的代表作《最后的晚餐》是达.芬奇对透视学应用的最佳体现。这里我们重点的分析这幅作品的透视与构图。画家凭据中心位置透视的要领构建了这幅作品的灭点。画面两侧各画一排整齐的方形门，屋顶由网格组成，画面的配景是三扇长方形窗户，它们严格凭据几何形状排列，所有的透视都搜集到同一其中心灭点上。画中的窗户、拱顶和屋顶的网格组成形成了修建空间完美的对称，《最后的晚餐》是一幅典型的对称构图的作品。
画面中心的灭点决定了整个画面的深度，严格的几何构图和画面的黄金支解比，凸显画面的空间感，这些都遵循了严格的透视理论。这种中心位置透视法在文艺再起时期被许多的画家应用过，这也讲明透视法在这一时期被艺术家广泛的认可与接受。
画家在配景中画了三扇窗户，窗外是蓝天白云下的远山风物。达.芬奇利用窗户巧妙地支解了内部与外部的空间。窗外远处的风物宁静而美好，与室内耶稣和十二门徒之间的诡异怀疑的气氛形成鲜明的对比，窗外的风物成为画面的重要组成部门。
画面中的人物以耶稣为中心，以餐桌为依托呈左右对称漫衍，人物关系与空间关系和谐统一，很好的体现了画面的透视空间，屋顶的网格图案突出了空间的深度，使画面越发富有立体感。观众如果站在米兰圣母感恩教堂的餐厅里鉴赏这幅作品就会发现这幅《最后的晚餐》和整个餐厅融为一体，餐厅的空间向后延展，形成了完美的视觉空间。
达.芬奇在进行绘画创作时严格凭据数学方式泛起艺术之美，他把自然、解剖学、艺术和数学完美的结合在一起。他在艺术创作中不仅有理性的思考，也有感性的美，理性与感性美交织成一体，他把艺术和科学知识完美的结合起来。
文艺再起运动的开展推动了人文、艺术与科学的相互融会与生长，以阿尔贝蒂、弗兰西斯卡和达.芬奇等为代表的艺术家为人类做出了突出孝敬。文艺再起运动促使意大利的社会发生了巨大的变化，人们的思想也随之改变，人们对科学的认识也越来越深入。受意大利的文艺再起思想的影响，欧洲各国开始接受这种文化新思潮，也推进了整个欧洲大地的文化和科技的生长，欧洲真正的文艺再起的壮盛时期到来了。